Форум » Сорбонна » Мода эпохи Возрождения » Ответить
Мода эпохи Возрождения
Изабель де Лаваль: ...а так же "ленты, иголки, булавки, тесьма" (с)
Ответов - 42, стр:
1 2 3 All
Изабель де Лаваль: Французы уже во времена Возрождения были главными модниками Европы. Их наряды отличала элегантность, они любили яркие и светлые цвета и богатые тяжелые ткани. Костюмы расшивались золотом, серебром и жемчугом, и меняли их аристократы каждый день В начале 16 века мужской костюм во Франции был вполне еще традиционным и состоял из белой рубахи, камзола – пурпуэна (его обычно украшали по максимуму), шоссов и верхней накидки или плаща. А вот где-то с середины века в страну проникает испанская строгость и мрачность, пурпуэн превратился в колет, появилась фреза, вошел в моду короткий испанский плащ. Такая мода была вызвана популярностью правящего монарха Георга II. Продлилась она недолго и закончилась вскоре после его смерти. И вот тогда-то и началось самое интересное – мужской костюм попадает под влияние женского и становится уж очень вычурным, нарядным и холеным. Камзол второй половины 16 века больше похож на узкий лиф и тоже заканчивается мысом – баухом. Испанские шарообразные штаны уступают место узким панталонам – кюлотам. Вот только фреза остается, да и то приобретает утрированные размеры. Женский арсенал в костюме дополняется цветовой гаммой, которая была исключительно светлой и нежной, да обильной косметикой, которую мужчины не стесняясь и не скупясь накладывали на лицо. Волосы спадали завитыми локонами, а в ушах блестели сережки. «Женственность» мужского облика завершалась туфлями, носок которых был целиком закрыт огромной кружевной розеткой. Обувь у мужчин, как и у женщин, была сделана из мягкой кожи или бархата, расшивалась она так же богато, как и одежда. Необходимой принадлежностью костюма также были шнурки и ленты с металлическими наконечниками, которые связывали и скрепляли отдельные части костюма, так как уже в 15 веке церковь ополчилась против многочисленных прорезей, называя их «дверями в ад». Но от этого их количество только увеличилось. Только в самом конце века указ короля Генриха IV приостановил это «безобразие» и обязал дворян одеваться скромнее, но изысканнее. И географически и исторически Франция в 16 веке находилась между Испанией и Италией. Культуры обеих стран оказали влияние на французский костюм, но изобретательные француженки сумели все-таки придать ему индивидуальность и показать свой уникальный характер Как ни странно, женский костюм во Франции меньше зависел от испанского, чем мужской – строгое испанское платье-футляр француженки модифицировали по собственному вкусу: открывали шею, верхнее платье делали распашным, использовали богатую отделку. Хотя каркас все-таки прижился: нижнее платье надевалось на него с очень узким лифом, который заканчивался мысом. Квадратный же вырез мог оставаться открытым или прикрываться шемизеткой. С середины века испанское влияние усилилось – появился корсет из китового уса, рукава приобрели буфы с прорезями, появилась жесткая фреза, которая достигала огромных размеров. А вот из Италии в это время пришли полумаски и носовые платки. Что же осталось истинно французского, так это любовь к косметике да прическа в виде двух валиков, украшенных бусами или вуалью. В конце века силуэт и форма женского костюма начали меняться. На это время приходится изобретение так называемых французских фижм - юбка стала свободнее и для придания объема у ее основания стали подкладывать округлый валик. Лиф становился все уже и, чтобы зрительно сузить талию, его продлевали острым мысом. Декольте стало округлым и очень глубоким. Фреза к концу века уже вышла из употребления, точнее превратилась в стоячий воротник, который закрывал шею, затылок и вообще всю голову. Платья аристократок обильно украшались жемчугом и накладками из вышитой тесьмы с металлическими украшениями. Часто обе юбки отделывались вышивкой или нашивками из другой ткани. Ожерелья, жемчуг, драгоценные медальоны и кресты украшали шею. Пальцы рук унизывались тяжелыми перстнями, и все это довершалось поясом, отделанным драгоценностями. Спереди у пояса привешивались четки, зеркальца, веер и знаменитая «блоховка», в которую, якобы, можно было заманить медом многочисленных блох. В последней четверти 16 столетия появилась верхняя одежда марлотт - прямое платье с короткими рукавами и ниспадавшее с плеча колоколообразной формой. Марлотт являлся парадной одеждой, делался из жестких тканей и украшался металлическими накладками, тесьмой, вышивкой. Марлотт обычно надевали члены королевской фамилии, женщины пониже рангом носили плащи с большим бархатным капюшоном. Под него обычно надевали белый или золотой то ли капюшон, то ли чепец с кружевным рюшем. Дамы носили также пелерины и мантии из дорогих тканей, их крепили у шеи пряжками, брошками и завязывали тесьмой со свешивающимися кистями. Взято здесь Мода при дворе Генриха III Знатные дамы, пажи Придворные, королевская стража
Изабель де Лаваль: Перчатки История перчаток длинна и интересна, но дальше средних веков мы заглядывать не будем, потому что именно в это время перчатки перестают быть предметом необходимости (то есть использоваться для защиты рук во время грубой работы и холода) а становятся предметом роскоши и символом социального статуса их владельца. Произошло это примерно в XII веке, во всяком случае, именно в это время перчаточники образовывают свою гильдию. В более позднее время значение перчаток приобрело еще и символическое значение. Этот предмет туалета стал символом мужественности, рыцарства (все мы помним выражение: бросить перчатку). Вручение перчатки рыцарем означало, что оный рыцарь принимает клятву вассальной верности, перчатка, брошенная под ноги – вызов на дуэль. Перчатка полученная от дамы – знак благосклонности, бережно хранимый рыцарем. Итак, из чего изготавливаются перчатки? Из кожи и шелка, атласа, льна. Украшаются вышивкой, драгоценными камнями. Из-за того, что этикет диктовал снимать перчатки в ряде случаев (брать что-то со стола, пожимать руку, присутствовать в церкви и рядом с королем, не сняв перчаток, запрещалось) перчатки для мужчин шились более свободными, и к середине XVI века перчатки чаще всего носили в руках, просто демонстрируя сам факт их наличия. Украшать их обильной вышивкой и драгоценностями, если вы, разумеется, не король, тоже считалось неуместным. А вот дам такие условности не касались. Поэтому перчаточники сосредоточили все усилия именно на прекрасной половине человечества. Так появились перчатки, пропитанные духами (моду на них ввела Екатерина Медичи, она же ими блестяще пользовалась – мир душе королевы Жанны), и совсем дорогая и экстравагантная венецианская мода – перчатки из кружева. Поверх перчаток носили перстни и кольца. Длинна перчаток зависела от длинны рукава. Известно, что Елизавета Тюдор первая появилась в длинных перчатках до локтя, чем вызвала настоящий фурор, правда прошло еще без малого сто лет, прежде чем эта мода укоренилась. Кстати, о королевах. Мужчинам входить в спальню королевы без перчаток запрещалось.
Изабель де Лаваль: Веера Двенадцать вееров Елизаветы Тюдор Первоначально веера представляли собой проволочный каркас прямоугольной формы, обтянутый шелковой тканью, и имели вид флажка. Первые складные веера были завезены в Европу португальскими купцами из Японии и Китая. Как ни странно, свое триумфальное шествие по Европе модная восточная диковинка начала из Ватикана, с которым португальцы имели торговое соглашение. Сами итальянцы уже в XVI веке достигли больших успехов в изготовлении вееров. Даже большие живописцы не чуждались этого, казалось бы второстепенного, жанра. Братья Караччи, по некоторым сведениям, расписывали веера на вилле Монсиньори близ Болоньи, а Доменикино (1581-1641) создавал рисунки для экранов. Во Франции складной веер распространился благодаря королеве Екатерине Медичи (1519 - 1589) - племяннице папы Льва X. Именно она привезла во Францию различные предметы роскоши - духи, перчатки, носовые платки и веера, среди которых были и складные. Их можно видеть на картинах, изображающих «Бал по случаю свадьбы Герцога Жуаёза» (1581) и «Бал при дворе Валуа» (1582). В конце XVI века из Франции складные веера проникли в Англию. Королева Елизавета I на своих поздних портретах часто изображалась со складным веером в руках. Складные веера среди прочих упоминаются в описи гардероба, сделанной после ее смерти. Интересно, что церковь видела в веере дьявольский умысел – она считала, что честному человеку незачем скрывать свое лицо, и этот предмет записали в атрибуты ведьм, которые, скрываясь, шептали свои заклинания и проклятия.
Изабель де Лаваль: Косметика В средние века развитие косметики затормозилось из-за запретов церкви. А в 16 веке декоративная косметика получила широкое распространение. Стали придумывать новые рецепты губных помад, появилась первая тушь. Начало развиваться производство и сбыт косметики, парфюмерии. Центром стал город Капуя, где изготовляли благовония, эссенции, притирания, помады и другие косметические средства. Было издано несколько книг по косметике. Особо популярна была книга Екатерины Сфорца, где описаны процессы наложения красок на лицо, приемы нанесения макияжа. Но церковь не хотела признавать косметику и порой толпы нападали на маленькие магазинчики, убивая продавцов. Косметические средства — румяна, пудры, помады, кремы и пасты— завезли во Францию итальянские артисты при Екатерине Медичи. Гримировались и женщины и мужчины. С 1566 г. при дворе нужно было появляться с крашеным лицом и белокурыми завитыми волосами. Начиная с XVI века Франция играет ведущую роль в изготовлении и употреблении косметических средств. Рецепты держались в строгом секрете и передавались по наследству. В XVI веке в Париже доктором медицины Парижского университета Андре ле Фурние издается популярная книга “Украшение человеческой натуры и убранства женщин”. В этот же период выходит еще одна книга — “Секреты сеньора Алексиса”, в которой даются рецепты приготовления косметических средств. Интересно, что в XVI веке техника нанесения макияжа была настолько трудоемкой, что для его нанесения нужно было приглашать художников. Естественно, это был не ежедневный макияж, а «долгоиграющий» – умываться в те времена было не принято, поэтому краска держалась долго. Можно сказать, что это было прародителем перманентного макияжа. Пудра На протяжении многих веков первым атрибутом женственности - считался молочно-белый цвет кожи. Когда великий живописец 16 века Паоло Веронезе изобразил на одной из своих фресок знатную даму и ее служанку, то первую - наделил белоснежной кожей, а лицо второй получило темный цвет загара. Белизна лица подчеркивала социальную принадлежность благородной дамы в отличие от крестьянок и вообще женщин из простонародья с обожженными солнцем лицами. В раннем средневековье мода на пудру сошла на нет. Дамы в ней не особенно нуждались – жизнь в каменных замках и на узких городских улочках и так делала их лица бледными. Зато ею активно пользовались проститутки, несмотря на то, что во многих городах действовали законы, по которым женщинам лёгкого поведения запрещалось пользоваться косметикой, дабы товар был «виден лицом». Была и ещё одна категория тех, кто активно использовал пудру, – актёры, клоуны, шуты. Они раньше других поняли, что волшебный порошок превращает лицо в чистый лист, на котором легко изобразить любое выражение. Мода на пудру вернулась в высшие круги Европы в XIV веке. Роясь в античных манускриптах, ученые Возрождения вычитали там рецепты античной косметики, которые были с восторгом подхвачены тогдашними модницами. Пудра упоминается в «Декамероне» Боккаччо – итальянские дамы постоянно носили при себе миниатюрные пудреницы. Английская королева Елизавета, недовольная цветом своего лица, пудрилась так густо, что для естественности ей приходилось прорисовывать на слое пудры чуть заметные кровеносные сосуды. При французском дворе пудрили не только лицо, но и волосы, искусно добавляя в порошок золотые, серебряные и фиолетовые «искры». А в Испании изобрели знакомую нам компактную пудру: на листы пергамента, покрытые клеем, наносили пудру разных оттенков. Оторвав кусочек листа, им можно было быстро натереть лицо. В то время умельцы уже научились окрашивать пудру в разные цвета: белой покрывали лоб, розовой – щёки, голубую наносили под глазами.
Изабель де Лаваль: Траур По случаю смерти государя в траур наряжались не только придворные и знать, но и члены городских собраний и ремесленных гильдий, фактически — весь город. Во многом именно это обстоятельство способствовало формированию общеевропейской традиции траура, имевшей, правда, отдельные региональные особенности. Фасон и характер этих одеяний определялись организаторами церемоний, в числе которых были и придворные художники. Траурными полотнищами завешивались нередко не только дом покойного и собор, где проходила служба, но и весь путь, который совершала процессия. Траурные попоны и упряжь надевались на лошадей, которых зачастую еще и красили в траурные цвета. Однако траурное платье надевали не только те, кто непосредственно присутствовал на похоронах. Например, долгое время участие в погребальных церемониях благородных дам не предусматривалось. В то же время именно им предписывались самые длительные сроки соблюдения траура, который заключался не только в ношении соответствующего платья, но и в специфическом убранстве дома и в целом ряде других ограничений. К примеру, королева Франции по сообщении о смерти супруга на целый год была обречена на затворничество — она не должна была покидать своих покоев (всего же королевский траур растягивался на два года). Для принцесс и прочих знатных дам этот срок составлял шесть недель. Различный срок предусматривался для демонстрации скорби по другим родственникам, из которых на первом месте стояли родители и старшие братья. Причем строгий траур для знатной дамы предполагал еще и пребывание в убранной в траур парадной постели. Тем не менее известно, что правила эти неоднократно нарушались либо не были слишком строги. К тому же каждый двор устанавливал свои предписания, постоянно смешивавшиеся одно с другим в силу сложной системы династических браков, связывавших королевские фамилии Европы Традиционными траурными цветами французских королей считались красный или фиолетовый. При Генрихе III они сменились на черный. А еще раньше изменился фасон траурных одежд: при погребении Генриха II (1559 г.) его сын, Франциск II, шел за гробом в фиолетовой одежде и такой же мантии, шлейф которой длиной тридцать локтей несли принцы королевского дома. Для вассалов также было предусмотрено определенное одеяние: длинный закрытый черный плащ и капюшон с небольшой пелериной и длинным кэ (хвостом). Край пелерины и отверстие для лица были обшиты узкой белой полоской. Женщинам предоставлялось выбирать для траурной одежды белый, черный или коричневый цвет, причем запрещались серый, фиолетовый и голубой. Они также не могли носить драгоценных камней в волосах или на головных уборах, но могли ими украшать кольца, пояса, зеркальца и молитвенники. Траурный наряд герцогини Валентинуа, любовницы Генриха II, одевавшейся исключительно в черное с белым и не закрывавшей при этом шеи, был принят при дворе и продержался более 40 лет. Вдова Франциска II, Мария Стюарт, прибавила к нему большую белую вуаль. При Карле IX знатные дамы заменили черный цвет коричневым. Их траурные платья были покрыты эмблемами: слезами, черепами и т. д. Эти эмблемы они также носили на ожерельях и браслетах. По истечении известного срока эмблемы заменялись портретом умершего, окруженным слезами, который носили на груди. Так продолжалось до Генриха IV, когда для траура был окончательно назначен исключительно черный цвет. Про блистательную фаворитку Генриха II Валуа Диану де Пуатье, герцогиню де Валентинуа, рассказывали, что она до конца своей жизни, удаленная Екатериной Медичи в замок Анэ, носила черно-белый траур по своему возлюбленному. Сама Екатерина Медичи, овдовев, кажется, ни разу с тех пор не изменила черному цвету. По смерти сына Генриха Франциска II в 1560 году его вдова Мария Стюарт добавила к вдовьему платью длинный белый вуаль. Длинный вуаль с тех пор стал непременной деталью вдовьего траура, изменив со временем цвет на черный. А вот на собственную казнь Мария Шотландская, к тому моменту дважды вдова, облачилась в темно-коричневое платье. Этот цвет и был в ту пору цветом аристократического траура.
Изабель де Лаваль: Zibellino Zibellino – в переводе с итальянского «соболь». Любопытный аксессуар появился в XV веке в Италии, а мода на него держалась вплоть до конца XVI века. Zibellino это выделанная шкурка пушного зверька (хорька, соболя, куницы, горностая), с головой и лапками, часто отделанная золотом и драгоценными камнями. Аксессуар постоянно упоминается в письмах, документах, описях подарков и на портретах того времени. Украшенные золотом и драгоценными камнями Zibellino стоили очень дорого, дороже обычных драгоценностей, в Италии даже ввели ограничения на их отделку. Zibellino носился в руках, либо накидывался на плечо, пристегиваясь цепочкой к поясу. Портреты дам с Zibellino здесь
Карл IX Валуа: Мужская одежда
Вероника Франко: Венецианские чопины XVI - XVII века. Специалисты в области истории костюма используют слово «чопины» (chopines) для обозначения понятия, за которым скрывается обувь на платформе, распространенная в Европе в период между XIV и XVII веками. Чопины имели очень толстую подметку, сделанную из пробки или дерева, высота которой могла достигать 50 сантиметров — как у напоминающих ходули деревянных башмаков из коллекции венецианского Музея Коррера. Эти необычные и даже странные туфли — возможно, самые экстравагантные из всех, какие когда-либо надевали европейские женщины, — предназначались для того, чтобы ходить по городским улицам. Мостовых в их современном понятии в те времена не существовало, и в любую непогоду обувь, особенно женская, из парчи, шелка и даже кожи не защищала от влаги. В Европе на этот случай использовали паттены – что-то типа сандалий на деревянных дощечках, надеваемых поверх обычной обуви на время непогоды, которые носили их только по необходимости. Чопины на невысокой платформе были удобной обувью, носить их можно было постоянно, а потому они довольно быстро распространились по всей Европе и среди разных слоев населения. В местном варианте обувь на платформе использовалась и в Турции, и в Марокко – сначала только как банная обувь, потом с таким же успехом, как и испанцы, восточные дамы носили их на улице в непогоду. Мода на чопины затронула и Англию, и иногда это приводило и к курьёзным ситуациям: в Англии если невеста добавляла себе роста чопинами и жених выяснял это только после свадьбы, то, в случае недовольства, он мог отказаться от такого брака. Первой женщиной, обувшей туфли на каблуках, была итальянка Екатерина Медичи. В 1533-м она привезла их из Флоренции на свою свадьбу с графом Орлеанским, будущим королем Франции Генрихом II Валуа. Невысокую 14-летнюю невесту каблук "повысил" сантиметров на семь-восемь. Французский двор был очарован. Церковь такую обувь назвала "бесовским оружием для искушения мужчин". Но вельможные дамы не послушались. Туфли Екатерины Медичи были выполнены на деревянных платформах, завышенных под пяткой. Вскоре мода на высокие каблуки охватила всю французскую аристократию.
Диана де Меридор: Дамская сумочка ведет свою историю с XVII века, но предшественники ее появились гораздо раньше. В средние века мужчины и женщины носили у пояса кошельки в виде небольших мешочков или плоских конвертов из мягкой кожи или плотной ткани, в которых носили деньги и ключи. В XIV—XV веках при Бургундском дворе мешочек для денег (от франц. — aumoniere) был принадлежностью придворного туалета. Изображения самых ранних кошельков сохранились на страницах старинных манускриптов, портретах и гобеленах. Поначалу они были незатейливыми по внешнему виду, но вскоре перешли в разряд художественных изделий: программа воспитания и образования девушек из знатных семей предусматривала обязательное обучение рукоделию, и кошельки вошли в число предметов, которые они украшали изящной вышивкой. Их вышивка и драгоценности являлись индикатором статуса владельца. 16 век. 16 век. В XVI веке во многих европейских странах нарядные кошельки стали одним из традиционных подарков ко дню рождения, Новому году и свадьбе. Известно, что английской королеве Елизавете I их дарили к Новому году ее придворные дамы. Во время помолвки жених и невеста обменивались вышитыми кошельками: невеста дарила суженому кошелек, вышитый собственными руками, а жених приобретал для подарка невесте работу профессионалов. Во Франции особенно ценились кошельки, сделанные в Лиможе, прославленном центре эмальерного искусства. Они были сшиты из дорогой ткани вроде бархата, парчи или шелка, отделаны серебряным кружевом и на лицевой стороне украшены миниатюрной эмалью.
Вероника Франко: Носовые платочки. В XVI в. Европу завоёвывает испанская мода, а с ней и роскошные носовые платки. Часто кружево носового платка повторяло отделку воротника и манжет костюма. Портретная живопись того времени свидетельствует о большой популярности платка, который очень часто присутствует в руке изображаемого. В эпоху Возрождения платок появляется в качестве приданого невесты. Он имел разные названия и использовался для различных целей: простой, изготовленный из тончайшего полотна, употреблялся для вытирания носа, фаццолетто - был платком декоративным, модным элементом костюма. Дамы часто держали его в руке, чтобы привлекать внимание кавалеров. Такие платки были очень дорогими и стоили целое состояние. При французском дворе в 16 в, имел место платок для вытирания слез, а также платок для сморкания. Эти платки были богато украшены кружевом и вышивками. Платки были сильно надушены, чтобы скрыть запах пота, ведь вместо мытья рук было принято протирать кончики пальцев влажным платком. Как заметил интеллектуальный гигант 16 века Эразм “Стыдно сморкаться в свою шапку или рукав, вытирать рукой или рукавом нос. Но избавиться от выделений из носа с помощью платка, отворачиваясь при этом от окружающих людей, - это в высшей степени пристойно”. Платки постепенно стали более украшенными, служа знаками любви четы друг к другу. Каждый уважаемый мужчина носил платок, и по сей день он считается символом благородства и социального ранга. Носовой платочек, воротничок и манжеты.
Изабель де Лаваль: Женский придворный французский костюм XVI века (испанская мода) 30-е года 16 века: 50-е года 16 века. 60-е года 16 века : 70-е года 16 века: 80-е года 16 века:
Изабель де Лаваль: Портреты и костюмы на портретах. Элеонора Толедская с сыном, около 1545 года. И ее платье (узор - "Цветок граната")
Изабель де Лаваль: Винченцо Гонзаго, около 1587 года. И его костюм
Изабель де Лаваль: Pomme d'Ambre Pomme d'Ambre – специальный сосуд для духов, благовоний, таких как амбра, мускус, парфюмированные масла и смолы. В средневековье его носили на себе знатные особы, как предмет роскоши; его подвешивали в каретах, будуарах и спальнях. Ароматным испарениям приписывались различные целебные свойства, от омоложения и излечения импотенции до защиты от чумы. Он напоминал резной кулон из золота, серебра или слоновой кости. Первые помандеры, вместе с другими предметами роскоши, были привезены примерно в 5-6 крестовом походе (XIIIвек.). Первый pomme d'ambre европейской работы датируется 1350г., в следствие чего получают широкое распространение, пик которого приходится на XVI-XVII века. Джордж Говер «Портрет Марии Дентон» 1573 г., Англия Помандеры использовали для первых попыток создать сложные ароматы. В каждое из отделений помещали какое-нибудь пахучее вещество, а все вместе они создавали букет аромата. Наиболее часто используемыми веществами (то что мы сейчас называем нотами) были: агаровое дерево, амбра, аир, камфара, корица, циветта, гвоздика, лаванда, майоран, мускус, мускатный орех, ирис, корень фиалки, розовое масло, розмарин, ароматические воды, нард и стиракс.
Катрин де Монпансье: Надеюсь, что мне простят то, что представленные образцы не французские, а английские? И что два последних образца, на чуть более позднее время? Pair of gloves - English,1575-1625 Strawberry Hill ID: sh-000147 c.1610-1625 English gloves Europe, United Kingdom 1600-1620 35.6 cms kid, linen, silk Manchester Art Gallery
полная версия страницы